Ich wecke Leidenschaft und Achtsamkeit durch Küstenfotos

Welche Fotoausrüstung verwenden Sie und wie würden Sie sich selbst als Fotograf beschreiben?

Im Laufe meiner Karriere als Fotograf sind viele Kameragehäuse gekommen und gegangen, aber eines ist immer gleich geblieben: An meinen Kameras waren stets SIGMA-Objektive montiert. Derzeit fotografiere ich mit einer Sony α7R III und einer Auswahl an SIGMA-Objektiven, die für eine Vielzahl von Situationen und Motiven geeignet sind. Das Spektrum reicht vom extremen Weitwinkelobjektiv SIGMA 14–24mm F2.8 DG DN | Art bis hin zum Telefoto-Objektiv SIGMA 100–400mm F5-6.3 DG DN OS | Contemporary.

Ich bin ein Fotograf für abstrakte und Contemporary Landschaftsfotografie und habe mich auf Küsten-, Pflanzen- und dokumentarische Aufnahmen spezialisiert. Mein Ziel ist es, visuell eindrucksvolle Bilder zu schaffen, indem ich die Farben und Elemente meines Motivs nutze, um die Energie und Atmosphäre meiner Umgebung einzufangen. Das Ziel: Die Betrachter meiner Arbeiten sollen dieselben Emotionen spüren, die ich beim Aufnehmen des Bildes empfunden habe. Ein Gefühl von Ruhe, Frieden und Gelassenheit.

Wie ist Ihr Eindruck von den neuen Objektiven der SIGMA I Series, insbesondere vom 17mm F4 DG DN | Contemporary?

Als ich das SIGMA 17mm F4 DG DN | Contemporary aus der I Series zum ersten Mal auspackte und in den Händen hielt, war ich positiv überrascht, wie kompakt und leicht das Objektiv war – selbst im Vergleich zu anderen Objekten der I Series, die ich bereits verwendet habe. Dieses SIGMA 17mm F4 DG DN | Contemporary muss eines der leichtesten Weitwinkel-Festbrennweitenobjektive sein, die ich je gesehen habe, und das bestätigte sich, als ich das Objektiv zum ersten Mal an meine Kamera montierte: Es passt mühelos zu meinem Kameragehäuse und verleiht ihm ein elegantes und stilvolles Aussehen.

Wie bei anderen Festbrennweiten der I Series ist der manuelle Blendenring eine der willkommensten Eigenschaften – nicht nur, weil sich die Einstellungen damit leicht ändern lassen, sondern auch, weil ich das Fotografieren dadurch als weitaus fesselnderes Erlebnis empfinde. Ich freute mich darauf, mit diesem Objektiv neue Bilder aufzunehmen, und es gab keinen besseren Weg, dies zu tun, als für ein paar Tage an die Küste zu fahren, um dort ganz bewusst zu fotografieren.

Was mich am 17-mm-Objektiv besonders beeindruckt hat, war seine Naheinstellgrenze von 12cm. Dadurch konnte ich einzigartige Bilder komponieren, indem ich ganz nah an mein Motiv herankam und dabei alle Details scharf hielt. So entstanden einige wirklich interessante Aufnahmen, insbesondere beim Fotografieren von Fischerbooten und -ausrüstung sowie an einem meiner Lieblingsorte an der Küste, Dungeness. Da ich an diesem Ort zum ersten Mal ein Weitwinkel-Objektiv mit Festbrennweite verwendete, konnte ich die Umgebung mit neuen Augen sehen und Aufnahmen machen, an die ich bei früheren Aufnahmen hier gar nicht gedacht hatte.

Können Sie uns etwas über Ihre Erfahrungen als Fotograf erzählen? Wie sind Sie zu diesem Beruf gekommen?

Ich habe mich schon immer für visuelle Medien interessiert, da ich an der Universität Filmkunst studiert habe. Mich faszinierten vor allem die Module, die sich eingehend mit der Gestaltung eines ansprechenden Bildausschnitts und den verschiedenen Techniken befassten, mit denen man durch Bilder eine Geschichte erzählen kann.

Mit der Zeit wurde mir klar, dass meine Leidenschaft für die Erstellung von Standbildern weitaus grösser war als die für das Drehen von Filmen. Wie die meisten Fotografen zu Beginn ihrer Laufbahn experimentierte ich mit vielen verschiedenen Genres der Fotografie und verbrachte einige Jahre damit, die Stadt London zu fotografieren, hauptsächlich aus architektonischer Perspektive. Diese Arbeit war wichtig, da sie mir grundlegende technische und kompositorische Fähigkeiten vermittelte, doch sie liess mich unzufrieden zurück, und viele der Bilder, die ich aufnahm, waren unoriginell und wiesen keinen eigenen Stil auf. Das schnelle Tempo der Stadt, die Geräusche und die vielen Menschen auf den Strassen führten dazu, dass ich gestresst und müde von meinen Shootings zurückkam.

Ich begann, den Aufenthalt draussen in der Natur immer mehr zu schätzen und genoss die Einsamkeit, besonders beim Fotografieren an der Küste. So entstand meine Liebe zur Landschaftsfotografie. Ich wollte einen Weg finden, die Anblicke und Farben des Ozeans bei Sonnenuntergang einzufangen – aber in meinem ganz eigenen Stil –, was mich auch dazu brachte, in die Welt der Abstraktion und der ätherischen Effekte der Langzeitbelichtung einzutauchen.

Das war für mich der Moment, in dem mir „der Lichtblitz“ kam. Durch die Kombination verschiedener Techniken gelang es mir, Bilder zu schaffen, die meine Gedanken und Gefühle widerspiegeln, die ich an der Küste empfinde – wobei der Blur des Wassers und die leuchtenden Farben eine fast schon alternative Realität erschaffen.

Was ich an der Fotografie so faszinierend finde, ist das Gefühl, das sie einem vermitteln kann, wenn man seinen Weg und seine Leidenschaft für die Dokumentation eines Motivs wirklich entdeckt. Das anfängliche Gefühl der Begeisterung und Freude, als ich anfing, Bilder von der Küste zu machen, trage ich bis heute in mir und es motiviert mich, immer wieder hinauszugehen und zu fotografieren. Wenn Menschen meine Arbeiten betrachten und dieselbe Freude empfinden wie ich beim Erstellen der Bilder, ist das etwas ganz Besonderes!

Nachdem ich die Orte gefunden hatte, die mich begeisterten, habe ich die letzten Jahre damit verbracht, zu experimentieren und verschiedene Kameratechniken einzusetzen, um einen unverwechselbaren Bildstil zu entwickeln, der stark auf den Einsatz von Farbe und Abstraktion setzt.

Welche Rolle spielt die Fotografie in Ihrem Leben und Ihrer Karriere? Wo finden Sie Ihre Inspiration? Was ist Ihre Leidenschaft in der Fotografie und im Leben?

Im Laufe meiner fotografischen Reise hat die Rolle, die die Fotografie in meinem Lebensstil und meiner Karriere spielt, enorm an Bedeutung gewonnen. Was als Hobby begann, hat sich zu einer wachsenden Karriere und einer lebenslangen Leidenschaft entwickelt. Die Fotografie hat zudem begonnen, eine neue und entscheidende Rolle in meinem Leben zu spielen, nämlich die der Achtsamkeit. Fast meine gesamte Arbeit konzentriert sich mittlerweile darauf, Bilder zu schaffen, die ein Gefühl von Ruhe, Gelassenheit und Flucht aus dem Alltag hervorrufen sollen. Es ist eine Möglichkeit, meine Gefühle auszudrücken, und die Zeit, die ich mit dem Fotografieren verbringe, ist zu einer sehr persönlichen Erfahrung geworden. Am grössten Frieden finde ich, wenn ich alleine vor Ort bin oder mich zumindest an einem Ort befinde, der nicht stark frequentiert ist.

Deshalb spielt die Küste in meiner Fotografie eine so zentrale Rolle. Allein das Erlebnis, draussen zu sein und am Ufer entlang zu spazieren – sei es mitten im Winter oder mitten im Sommer –, gibt mir neue Energie und erfüllt mich mit einem Gefühl purer Freude. Ich kann leicht Stunden damit verbringen, einfach nur meine Umgebung zu beobachten oder auf mich wirken zu lassen, bevor ich die Kamera überhaupt aus meiner Tasche hole und nach Bildkompositionen suche. Wenn die Kamera dann zum Einsatz kommt, bin ich in der richtigen geistigen Verfassung, um mich voll und ganz auf den Prozess der Bildgestaltung einzulassen.
Wenn ich mich in diesem Geisteszustand befinde, stelle ich fest, dass ich meine besten Arbeiten schaffe. Diese Bilder sind oft diejenigen, die besonders gut ankommen.

Warum ist die Küste für mich also ein so besonderer Ort zum Fotografieren? Wie bereits erwähnt, traf ich am Strand die Entscheidung, dass die Landschaftsfotografie mein Schwerpunkt als Fotograf sein sollte. Die Elemente an der Küste bieten die wunderbarsten Anblicke – das tosende Brechen der Wellen, die filigranen Muster im Sand, die sich erst bei Ebbe zeigen, verborgene Gesichter in uralten Klippen und natürlich die unendliche und sich ständig verändernde Leinwand des Himmels. All diese Elemente zusammenzubringen, ist für mich die höchste Form der Zufriedenheit.

Das Besondere an der Küste ist, dass kein Tag dem anderen gleicht. Bilder, die an einem Sommerabend entstehen, unterscheiden sich völlig von denen, die mitten im Winter aufgenommen werden, und auch die Gefühle und Emotionen, die man dabei erlebt, sind ganz anders. Wenn ich mir bestimmte Bilder anschaue, kann ich das Erlebnis der Aufnahme noch einmal nachempfinden. Das Gefühl einer sanften Brise, die durch die Dünen weht, und barfuss durch den Sand zu laufen. Oder das mühsame manuelle Fokussieren des Objektivs mit tauben Fingern, während ich in eiskaltem Wasser stehe, das gegen die Beine meines Stativs spritzt und droht, über den Rand meiner Gummistiefel zu schwappen. All das ist es wert, wenn ich auf meine Bilder zurückblicke und mich bei einer wohlverdienten Tasse Tee schön warm fühle.

Wenn ich nicht gerade draussen unterwegs bin, um Bilder aufzunehmen, nutze ich so viel meiner Freizeit wie möglich, um meine Bilder zu bearbeiten, nach Locations, Ideen und Techniken zu recherchieren und die Arbeiten anderer Fotografen anzusehen. All das gehört dazu, um meine Inspiration und meine Begeisterung für die Fotografie aufrechtzuerhalten.

Ich bin ein begeisterter Fan von Printmedien und finde, es gibt keine bessere Möglichkeit, die Arbeiten anderer (oder die eigenen) zu geniessen, als in gedruckter Form. Auch soziale Medien sind eine fantastische Möglichkeit, neue Fotografen zu entdecken. Sich die Zeit zu nehmen, sich hinzusetzen und ihre Arbeiten in einem Buch oder in einer Ausstellung zu betrachten, ist eine wirklich lohnende Erfahrung. Anstatt zweimal zu tippen und durch den Social-Media-Feed zu scrollen, sieht man in einem Fotobuch die Arbeiten so, wie der Fotograf sie beabsichtigt hat – als Ganzes, was es uns ermöglicht, gemeinsame Themen zwischen den Bildern zu entdecken und eine visuelle Geschichte zu geniessen.

Wie entwickelt man seinen eigenen Stil? Was rätst du Menschen, die auf der Suche nach ihrem eigenen Stil sind?

Es wird oft gesagt, dass wir als Fotografen unseren eigenen „Stil“ entwickeln müssen. Dies ist eine der wichtigsten Möglichkeiten, wie wir uns von anderen Fotografen abheben und wiedererkennbare Arbeiten schaffen können, die aus der Masse herausstechen und die Aufmerksamkeit des Betrachters auf sich ziehen.

Die Entwicklung eines persönlichen Stils ist sicherlich nichts, was sich schnell oder einfach erreichen lässt, sondern etwas, das man durch langjähriges Studium und Üben des fotografischen Handwerks sowie durch das Betrachten der Arbeiten möglichst vieler anderer Fotografen erlangt. Wenn man gesehen hat, was vor einem da war, bietet sich die Gelegenheit, hinauszugehen und etwas Neues und Bedeutungsvolles zu schaffen. Es ist wichtig, sich von anderen Fotografen mit Inspiration zu versorgen und zu beobachten, wie verschiedene Menschen an die Fotografie eines ähnlichen Motivs herangehen wie man selbst, um der Kreativität freien Lauf zu lassen. Wenn man draussen vor Ort ist, kann man auf diesem Wissen aufbauen, experimentieren und den eigenen Ansatz finden, um eine Gegend oder ein Motiv festzuhalten.

Ich habe fast ein Jahrzehnt gebraucht, um das zu entwickeln, was ich als meinen „Stil“ bezeichnen würde. In dieser Zeit habe ich mich in vielen verschiedenen Genres der Fotografie versucht, aber erst als ich tiefer in die Welt der Abstraktion eintauchte und Techniken wie bewusste Kamerabewegungen und Mehrfachbelichtungen im Freien einsetzte, hatte ich endlich das Gefühl, Arbeiten zu schaffen, die meinem eigenen Geschmack und meiner Vision entsprachen.

Das Wichtigste, was ich bei der Entwicklung meines Stils gelernt und entdeckt habe, war, dass ich ein sehr projektorientierter Fotograf bin. Ich schaffe gerne eigenständige Werkgruppen mit Titeln und Absichtserklärungen, damit die Betrachter meiner Arbeiten ein umfassendes Verständnis dafür bekommen, worum es in den Bildern geht. Ein Projekt kann eine ganze Werkgruppe sein oder auch etwas so Einfaches wie die Erstellung eines Bildtriptychons von einem Tag an einem bestimmten Ort. Ich habe festgestellt, dass diese Arbeitsweise von unschätzbarem Wert ist, da ich immer ein klares Ziel vor Augen habe, wenn ich zum Fotografieren aufbreche, und weiss, dass ich ein Endziel für die Bilder habe, die ich an diesem Tag aufnehmen werde.

Wenn du am Anfang deiner fotografischen Reise stehst oder gerade dabei bist, deinen eigenen Stil zu entwickeln, dann lautet mein Rat: Fotografiere die Motive, für die du dich wirklich begeisterst. Nur dann wirst du deine besten Arbeiten schaffen und langsam aber sicher einen Weg finden, Dinge auf deine ganz eigene, charakteristische Weise festzuhalten.

Warum passt die I Series so gut zu dir und mit welchen drei Worten würdest du deine Erfahrungen mit diesen neuen Objektiven beschreiben?

Die Objektive der SIGMA I Series sind zu einem unverzichtbaren Bestandteil meines fotografischen Arbeitsablaufs geworden, insbesondere aufgrund ihrer kompakten Grösse, ihrer hervorragenden Verarbeitungsqualität und ihrer stilvollen Ästhetik.

Wenn ich an der Küste fotografiere, muss ich gut vorbereitet sein und schnell auf wechselnde Licht- und Wetterbedingungen reagieren können. Deshalb habe ich immer eine Auswahl an Objektiven der I Series dabei. Manchmal stosse ich auf eine unerwartete Szene oder ein intimes Detail, und da ich eine Auswahl an Objektiven griffbereit habe, kann ich einer Szene gerecht werden und die bestmöglichen Bilder mitnehmen.

Ich kann mich darauf verlassen, dass diese Objektive stets zuverlässig funktionieren und es mir ermöglichen, meine Vision zum Leben zu erwecken. Diese Gewissheit gibt mir die Freiheit, mehr Zeit vor Ort damit zu verbringen, kreativ zu sein, nach Bildkompositionen zu suchen und Fotos zu gestalten. Und als Bonus ist es mir besonders wichtig, mit leichtem Gepäck zu reisen. Da ich weiss, dass ich eine Auswahl an Objektiven der I Series problemlos in eine Tasche packen kann, bin ich immer für einen ganzen Tag voller Aufnahmen an der Küste gerüstet und auf eine Vielzahl von Situationen und Fotostilen vorbereitet.

Drei Wörter, die mir beim Einsatz von Objektiven der I Series in den Sinn kommen: Stilvoll, Selbstbewusst, Frei.